DANZART SINTESIS

Técnica Release

 La Técnica Release es un grupo de principios y métodos de entrenamiento físico que se han aplicado en la danza contemporánea. Estos principios enfatizan la liberación de la tensión muscular cuando se realizan movimientos. El propósito es lograr un uso eficiente de la energía y la anatomía para que los movimientos se hagan con el mínimo esfuerzo.

Los principios de la Técnica Release ayudan a desarrollar conciencia acerca de la alineación corporal, la respiración, el mecanismo orgánico de las articulaciones y la distribución de peso en el cuerpo. Con estos principios los bailarines aprenden a moverse de una manera orgánica y fluida. Aprenden a usar la fuerza de gravedad a su favor en vez de usar la fuerza muscular.

Orígenes de la Técnica Release

La Técnica Release no es una sola técnica ni un método exclusivo. Más bien son un grupo de principios y métodos distintos que se han usado en la danza contemporánea desde sus inicios. A partir de los años 50, algunos bailarines y maestros de danza empezaron a buscar nuevas maneras de entrenar al cuerpo para crear una danza.

Recurrieron a disciplinas orientales como el Yoga, el Tai Chi y las artes marciales. Incorporaron conocimientos de técnicas de educación somáticaque ya se habían desarrollado, como la Ideokinesis, la Técnica Alexander y Feldenkrais.

Aplicaron estos conocimientos a los procesos y métodos de entrenamiento de baile. El resultado fue un cambio radical en la manera en que se entrenaba al cuerpo para bailar y en la manera en que se generaban movimientos en una danza.

Pioneros de la Técnica Release

La Técnica Release no se puede atribuir a una sola persona, a una sola disciplina ni a un solo periodo histórico. Es la suma de un trabajo colectivo que se desarrolló durante muchas generaciones en el siglo XX. Los precursores y pioneros de la Técnica Release son numerosos. Algunos de los más influyentes son:

– Mabel Todd

A partir de los años 20, los principios de postura y visualización de Mabel Todd se hicieron muy populares entre actores, bailarines, profesionales de la salud y profesionales de la educación física en Estados Unidos. Todd cambió el concepto de la postura militar que se enseñaba en ese tiempo. 

Introdujo principios de postura basados en la anatomía y mecanismos naturales del cuerpo. Decenas de bailarines que estudiaron con Todd, y con sus discipulas Lulu Sweigard y Barbara Clark aplicaron los principios de Ideokinesis al entrenamiento del bailarín. Muchos de ellos desarrolaron sus propias técnicas y métodos, que hoy en día forman parte de lo que se conoce como Técnica Release.

-Erick Hawkins

El famoso bailarín y coreográfo de la danza moderna, Erick Hawkins, es considerado el “Padre de la Técnica Release”. Hawkins desarrolló una nueva técnica de danza a mediados de los años 50 que incorporaba muchos de los principios de Todd y de disciplinas orientales.

Hawkins pensaba que las técnicas occidentales de danza estaban basadas en conceptos erróneos acerca del cuerpo. Por eso, creó una técnica basada en conocimientos del cuerpo que apréndió de disciplinas orientales y de técnicas de educación somática.

Hoy en día los principios de la la Técnica de Erick Hawkins se usan en muchísimas clases de danza contemporánea. Forman parte de lo que se conoce como Técnica Release.

-Irmgard Bartenieff

En los años 40, Irmgard Bartenieff empezó a enseñar los conceptos de movimiento del maestro Rudolf Laban en Estados Unidoso. En ese proceso se dio cuenta que ciertos patrones de movimiento ayudaban a las personas a mejorar el balance, la coordinación y la fluidez en el movimiento. Desarrolló unsistema para ayudar a las personas a explorar estos patrones de movimiento, conocido como Fundamentos de Bartenieff.

Muchos bailarines y coreógrafos estudiaron estos fundamentos directamente con Bartenieff a partir de los años 40 hasta finales de los años 70. Sus principios están presentes en muchos entrenamientos y técnicas de la danza contemporánea y se funden con las técnicas denominadas Técnica Release.

Principios de la Técnica ReleaseLa Técnica Release incluye los siguientes principios:

-El cuerpo es visto como una entidad integrada donde no existe separación entre el cuerpo, la mente, las emociones y el alma. O sea, no se imponen patrones de movimiento decididos de antemano con la mente sin tomar en cuenta la realidad orgánica del cuerpo. 

-Se enfatiza la experiencia cinética personal.

-Se reconoce que cada persona tiene una manera única de moverse con sus propias intenciones.

-Se explora el potencia de la anatomía humana. No se trata de modificar lo que es natural al cuerpo.

-A la hora de ejecutar un movimiento, el sistema nervioso tiene igual importancia que el sistema músculo esquelético.

-Se practica una alineación corporal que sostiene el peso del cuerpo desde el centro de los huesos. Con esta alineación los movimientos se inician con los músculos más cercanos al centro del cuerpo.

-La quietud es siempre el punto de partida y el punto final. Esta quietud es una posición llamada Descanso Constructivo.

-Se usa la visualización para despertar experiencias kinéticas nuevas y crear conciencia acerca de estas nuevas posibilidades. La visualización consiste en imaginar metáforas de acciones físicas para iniciar y hacer un movimiento. Por ejemplo: “Imagínate que te mueves dentro dle agua” o “Imagínate quee res una marioneta con cuerdas atadas a tus rodillas y esas cuerdas halan tus piernas”.

-Se exploran los patrones de movimiento de las diferentes etapas de desarrollo humano, como la posición fetal, gatear o ponerse de pie.

-Se enfatiza el proceso creativo. La improvisación se usa para generar nuevas posibilidades de movimiento, despertar la creative y para crear composiciones.

Técnicas y disciplinas que caen bajo la Técnica Release

La Técnica Release se puede aprender en clases de danza contemporánea o de técnicas de movimiento somático que enfaticen los principios mencionados arriba. Cada maestra o maestro puede presentar estos principios con su propio estilo. A menudo, aunque no es requisito, se incluyen prácticas o conocimientos de las siguientes técnicas o disciplinas:

·         Ideokinesis

·         Técnica Hawkins

·         Fundamentos de Bartenieff

·         Body-Mind Centering

·         Anatomía del Movimiento

·         Skinner Relaase Technique

·         Topf Technique

·         Klein/Mahler Technique

·         Improvisación

·         Improvisación de Contacto

·         Feldenkrais

·         Técnica Alexander

·         Yoga

·         Tai chi

·         Artes marciales

Personaje de la Danza

Merce Cunningham, el padre de la danza postmoderna

“Intento enseñar a los estudiantes y a los bailarines mi técnica, pero de una manera que deja lugar al individualismo. Me gustaría que esa sociedad continuara haciéndolo, porque la danza es un proceso que nunca se detiene y que no debería detenerse si es para permanecer fresca y viva”.

Nacido el 16 de abril de 1919 en Centralia, en el estado de Washington, Mercier Philip

Cunningham, es considerado como uno de los grandes coreógrafos y bailarines de todos los tiempos, al nivel de Isadora Duncan, Martha Graham o Sergei Diaghilev.

Cunningham demostró su amor por la danza desde muy joven, cuando en 1937 ingresó en el Instituto Cornish en la ciudad de Seattle donde estudio teatro y danza y donde se encontró con el músico John Cage, con quien entabló una amistad y una relación personal que duraría hasta el fallecimiento de éste último en 1992. Tras su paso por el Instituto Cornish, Cunningham estudió en la universidad de Bennington, donde Martha Graham impartía clases, y le captó para su compañía como primer bailarín, donde permaneció hasta 1945.

Un año antes, en 1944, había presentado su primera coreografía en Nueva York. Después de haber sido profesor en el American Ballet fundó su propia compañía de danza, que llevaba su nombre. Trabajó junto a pintores como Jasper Johns o Robert Rauschenberg. También trabajó con otros artistas como Andy Warhol y Frank Stella o el músico David Eugene Tudor. Cunningham vivió un año crucial para su carrera en 1964, año en el que obtuvo grandes éxitos en París y Londres, que fueron determinante para que el público y la crítica estadounidense cambiase de opinión respecto a su manera de concebir la danza.

A partir de esa fecha su nombre empezó a ser conocido para el gran público y ese éxito le permitió trabajar más con las nuevas tecnologías, característica que le acompañaría durante toda su carrera. Cunningham colocó en la vanguardia durante más de medio siglo al ballet estadounidense y fue un transgresor de la danza contemporánea, a la que aportó nuevos conceptos como el del movimiento de los bailarines con independencia de la música. Para Cunningham todo en la danza, los gestos, los bailarines, el espacio o el silencio, eran igualmente importantes. NP

Personaje de la Danza

Pina Bausch; Danza Abstracta y Psicodrama Analítico
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Adolfo Vásquez Rocc

Pina Bausch¹ –1940– es quien revive el espíritu de la danza alemana al crear el teatro-danza. De su mano y del trabajo de sus bailarines han surgido piezas tan emblemáticas como Ifigenia en Táuride, Café Mueller (1978), Bandoneón (1987), y muchas otras, tan discutidas como admiradas en todo el mundo.

Tras formarse con Kurt Jooss² en Alemania y pasar una temporada en la Juilliard School de Nueva York, vuelve a su país y comienza a trabajar en el hoy mítico Tanztheater de Wuppertal, que dirige desde 1973. Allí, muy pronto se convierte en la creadora de ese rico y extremadamente complejo territorio que se ha denominado Teatro-Danza.

Tras formarse con Kurt Jooss² en Alemania y pasar una temporada en la Juilliard School de Nueva York, vuelve a su país y comienza a trabajar en el hoy mítico Tanztheater de Wuppertal, que dirige desde 1973. Allí, muy pronto se convierte en la creadora de ese rico y extremadamente complejo territorio que se ha denominado Teatro-Danza.

Pina Bausch precozmente rupturista, testigo de una época desgarrada, donde con la devastación de los cimientos desaparece también el suelo de nuestras certezas más sagradas, se sitúa en la primera fila de la escena de avanzada, desde donde, reinventando el movimiento primigenio de la danza, reducida a los pocos movimientos posibles para una época crítica, actúa impulsada por un afán de acotar —en un ajuste de cuestas con las categorías impuestas del buen gusto y la belleza— los modelos canonizados del «cuerpo ideal» para mostrar una realidad heterogénea en la que el movimiento adquiere un enorme poder trasgresor.

2. La danza corre el riesgo de disolverse si continúa narcisistamente contemplándose a sí misma. La danza contemporánea ha encontrado una renovadora vertiente abstracta y expresionista, ampliando así sus fronteras, dejando de ser un género teatral diferenciado, para constituirse en una manifestación más de los procesos de hibridación propios de la sensibilidad postmoderna. Las fronteras entre teatro, plástica, danza y literatura se difuminan en un espejo que le devuelve su imagen ampliada y, hasta cierto punto deformada de sus propios orígenes siendo y no siendo ballet, siendo y no siendo teatro, plástica, danza literatura e incluso filosofía.

La danza expresionista, también llamada danza abstracta, nace en el contexto de la agitación de las grandes vanguardias europeas de comienzos del siglo XX. La danza tradicional, vinculada al ballet clásico, fue transformada mediante una nueva estética de movimiento corporal donde no impera ya el valor de la métrica, el ritmo, los saltos y pasos previamente establecidos. En la danza expresionista se recupera el movimiento libre, una interacción más dinámica con el espacio, y la posibilidad de la autoexpresión corporal.

El concepto de «ballet postmoderno», que apareció en los círculos especializados a fines de los años setenta, refiere a un conjunto de rupturas estético-expresivas, entre las que se cuentan —entre otras— la eliminación de la perspectiva unidimensional en provecho de un espacio abierto, ampliado, que responde en cierto modo a los descubrimientos de la física moderna; la revalorización de la dimensión cotidiana, el continuo de lo humano, en sus manifestaciones aparentemente triviales y pedestres, incluyendo en esta apertura la palabra, el ruido ambiente, en lo que constituye la irrupción de la música concreta al servicio de la danza; el abandono del entablado clásico por superficies naturales como el césped, la tierra, hojas secas, flores, e incluso el agua, son parte del estilo que alcanza su más plena expresión en las obras de Pina Bausch.

Las obras de Pina Bausch no siguen una estructura narrativa ni una progresión lineal. Se construyen más bien a partir de una serie de episodios. Múltiples acciones escénicas simultáneas, imágenes impactantes, la utilización de las experiencias específicas de sus bailarines, de actividades cotidianas, de textos dirigidos a menudo al público y de una gran variedad de músicas en la banda sonora son elementos que llevan el sello reconocible de Bausch y que han pasado a formar parte de un léxico de la danza-teatro en Europa.

Las bailarinas y bailarines de las obras de Pina Bausch no guardan relación con el ideal de belleza de cuerpos o vestuarios; trozos de música de ópera o rock interfieren con lo que está ocurriendo en el escenario; y su estilo de «collage» hecho de fragmentos recuerda más bien al cine o a las bellas artes que a la danza. Generalmente los bailarines actúan sobre superficies cubiertas de agua hasta los tobillos o lodo o entre un mar de claveles de plástico.

En lugar de la música convencional de ballet, el Teatro de Danza de Wuppertal ofrece historias profundas de la existencia misma que son creadas en largas y estrechas discusiones entre la jefa y los integrantes del cuerpo de baile.

Su carácter nómada y su enorme curiosidad por las diferentes formas de vida conducen a Pina Bausch, desde los años ‘80, a realizar distintas «residencias» en algunas de las grandes capitales del mundo. Roma, Madrid, Lisboa, Estambul u Hong Kong han sido algunas de sus sedes. Todas sus obras se realizan con la ayuda de bailarines de diferentes razas y países, que, siguiendo el peculiar método de trabajo de la directora, se implican con sus propios miedos, sus propios deseos, sus complejos y, en suma, con su propia vulnerabilidad. Esto lleva a la utilización de toda la gestualidad del comportamiento cotidiano, tanto en lo íntimo como en lo social; un aluvión de gestos físicos y emocionales que la sabia mano de Pina Bausch recicla y reintegra en composiciones llenas de originalidad, ternura, irónica crueldad y, sobre todo, de una viva y cruda humanidad.

En la cartografía de los comportamientos humanos agresivos y potencialmente destructivos, latentes en la naturaleza humana, uno de los elementos que concurre en la configuración de las artes escénicas contemporáneas —entre ellas la danza— es la dialéctica defensa-agresión. La expresión corporal escenifica la agresión ritualizada como campo de enfrentamiento en el que comparece la tensión, la competencia y el origen genético del comportamiento teatral, de la puesta en escena de nuestras pulsiones eróticas y thanáticas, de nuestras estrategias representacionales y modelos de seducción y agresión litúrgicos.

A este respecto el Psicodrama Analítico ofrece no sólo la metodología adecuada de sublimación, socialización y producción de subjetividad singular y colectiva, en orden a redirigir el potencial thanático-agresivo del comportamiento humano, sino la estrategia más efectiva en la prevención de la violencia social.

Pina Bausch trabaja con sus propios miedos, sus deseos y complejos, su vulnerabilidad. Esto la lleva a emplear gestos desgarrados en sus coreografías, escenificando nuestra fantasmagórica intimidad y, en un registro de «lo terrible», al modo de los expresionistas, sus obras se pueblan de crueldad e ironía, atravesadas por la fragilidad de las inseguridades identitarias, aforadas de sentimientos humanos tan elementales como la necesidad de ser amados o, al menos, odiados.

El espectador se convierte, también en el organizador de sus impulsos y de su experiencia estética. Por medio de la catarsis moviliza internamente la agresión no ejercitada o el erotismo anestesiado. 

3. El éxito alcanzado por la artista no ha estado desprovisto de violentas controversias sobre su obra. El público de Wuppertal, por ejemplo, se encontraba dividido: por un lado, un grupo compacto de admiradores; por el otro, un frente de detractores convencidos, del que los más violentos cubrían a Pina Bausch de insultos y escupidas e intentaban arrancarle los cabellos, mientras otros la despertaban en la mitad de la noche con llamados telefónicos en los que la conminaban a dejar la ciudad.

     La recepción de sus obras continuó siendo objeto de controversias en los ‘90. Así como en Roma algunos fanáticos pagaban diez veces el precio de una entrada, poco después, en Londres, un crítico abandonó la función y escribió al día siguiente: «Es mejor pasear por la desapacible noche londinense que sufrir los suplicios de un espectáculo de Pina Bausch en el Sadler's Wells».

     Pina Bausch ha explorado el lado más despiadado y desesperado del ser humano, por ello no es casualidad que Pina Bausch y sus obras hayan provocado reacciones tan extremas y tan antitéticas; tampoco es casual que reclamen tomas de posiciones inequívocas. Todas sus piezas tratan sobre cuestiones fundamentales de la condición humana y obligan al público a confrontarse con estos problemas: el amor y la angustia, la nostalgia y la tristeza, la soledad, la frustración y el terror, la infancia y la vejez, la muerte, la explotación del hombre por el hombre, la memoria y el olvido.

Notas

¹ Bailarina, coreógrafa y directora de ballet alemana, está considerada como la creadora del teatro-danza en su país. Sus coreografías retratan al ser humano con todos sus defectos y virtudes, y confiesa no sentirse interesada por el movimiento de las personas sino por lo que las mueve. Comenzó sus estudios en 1955 en la Folkwangschule de Essen, donde fue alumna de de Kurt Joos y Sigurd Leeder. Tras el examen de graduación en 1959 obtuvo una beca para ampliar estudios en la Juilliard School of Music de Nueva York. Bailó en las compañías de Paul Sanasardo y Donya Feuer, Paul Taylor, con quien estrenó elBallet Tablet (1961), el New American Ballet y el Metropolitan Opera Ballet. Pina Bausch hoy se encuentra retirada de la danza activa, salvo excepciones como su participación con el cineasta Almodóvar en la película Hable con ella.

² (Wasseralfingen, 1901-Heilbroom, 1979) Bailarín y coreógrafo alemán. Formado con R. von Laban, desde 1924 montó sus propios espectáculos vanguardistas, caracterizados por la ausencia de protagonistas individuales.

Imágenes

(En orden descendente) By Pina_Bausch.jpg: Leafar derivative work: トトト (talk) derived & uploaded on 2009-07-01 11:23 (UTC). (Pina_Bausch.jpg) [CC-BY-SA-3.0 (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0)], vía Wikimedia Commons | Cravos03, By clau damaso from lisbon, portugal (Cravos 03) [CC-BY-2.0 (http://creativecommons.org/licenses/by/2.0)], vía Wikimedia Commons | Vídeo alojado en YouTube

Historia de la Danza

Isadora Duncan y su legado en la danza moderna

Por: Corazón Tierra

Dance Expert

Madre de la danza moderna:

Isadora Duncan Foto Arnold Genthe

Isadora Duncan es considerada por muchos la madre de la danza moderna. Bailarina, coreógrafa, maestra de baile, pensadora y creadora de una de las primeras técnicas de la danza moderna, Isadora Duncan dejó un gran legado en el mundo de la danza.

Hoy en día su visión acerca de la danza como expresión de la condición humana sigue vigente en las diferentes vertientes de la danza contempóranea.

A principios del siglo XX, Duncan desarrolló una nueva forma de baile que rompió con todos los criterios del ballet clásico, Empezó a bailar descalza vestida en túnicas estilo griego. Bailaba libre de las estructuras, pasos y posiciones del ballet clásico.

Duncan se inspiró en el arte clásico griego, danzas tradicionales, bailes sociales y en la naturaleza para crear una manera de bailar que se basa en movimientos naturales y libres.

La gran contribución de Duncan a la danza no se limita a su técnica de baile y coreografías. Duncan dedicó su vida a hacer visible la danza como un arte legítimo. Hizo numerosas conferencias acerca de la danza y escribió The Art of Dance (El arte de la Danza), un libro que se ha convertido en un requisito de lectura para los que estudian danza.

Sus inicios:

Isadora Duncan nació en San Francisco en 1877, bajo el nombre de Angela Duncan. A la temprana edad de cinco años, Duncan empezó a enseñar baile. Daba clases de baile a las niñas de su vecindario.

Ya en ese tiempo Duncan mostraba su capacidad innovadora en la danza. Les decía a sus discípulas que movieran los brazos como si fueran las olas del océano.

En 1890 Duncan empieza a bailar para la compañía San Francisco Barn Theatre. Después de vivir brevemente en Chicago, Duncan se muda a la ciudad de Nueva York. en donde empieza a trabajar para la compañia Augustin Daly.

Estos primeros intentos artísticos de Duncan no tuvieron éxito. En 1899 Duncan se muda a Europa, junto a su familia. Primero vive en Londres y luego se traslada a París.

Duncan crea una nueva forma de baile:

Al principio, Duncan presenta sus coreografías en espacios privados. En poco tiempo empieza a hacer presentaciones públicas de su danza.

Su nueva forma de baile alcanza popularidad por toda Europa en los primeros años del siglo XX, y más adelante en Estados Unidos y otras partes del mundo.

En las primeras décadas del siglo XX Duncan desarrolla su nueva forma de baile en todos sus aspectos. Crea coreografías para la música de grandes compositores como Bethoven, Mozart y Chopin. Y desarrolla una técnica de baile completamente nueva.

Su técnica de baile se basa en movimientos que surgen de una manera natural. fluida y libre. En vez de ejecutar pasos estructurados, Duncan baila usando el plexo solar como punto de partida para generar movimientos orgánicos que expresan los sentimientos del creador.

Pero Duncan no sólo se enfoca en crear coreografías y desarrollar una nueva técnica de baile. Duncan comparte una visión de la danza como expresión vital de la vida misma. Promueve una filosofía donde la danza ocupa un lugar sagrado.

Isadora Duncan en la actualidad:

El legado de Duncan se conserva mediante la labor de las discípulas de las discípulas de Duncan. Este grupo selecto de bailarinas y maestras de baile se dedican a presentar las coreografías de Duncan que aun se conservan y a enseñar la Técnica Duncan .

Las Isadorables, seis discípulas de Isadora Duncan, fueron clave en preservar el legado de Duncan. Estas discípulas eran las estudiantes más destacadas de la escuela que Duncan fundó en Alemania. Durante mucho tiempo. las Isadorables trabajaron con Duncan, haciendo presentaciones en Europa y Estados Unidos. Todas ellas adoptaron el apellido de Duncan.

Hoy en día las principales instituciones que se dedican a preservar el legado de Duncan son dirigdas por discípulas de algunas de las Isadorables.

• Isadora Duncan International Institute

Localizado en la ciudad de Nueva York, el Isadora Duncan International Institute se dedica a preservar el legado de Isadora Duncan mediante presentaciones, clases y certificaciones en la técnica de Duncan. Este instituto fue fundado en 1977 por una de las Isadorables, Maria-Therese Duncan. Hoy en día es dirigido por su discípula, Jeanne Bresciani.

• The Isadora Duncan Dance Foundation

Fundada en 1978 por Lori Belilove, The Isadora Duncan Dance Foundation se dedica a preservar y presentar las obras de Duncan, y a ofrecer clases de la Técnica Duncan. Su compañía de baile, The Isadora Duncan Dance Company, es la principal compañía dedicada a presentar las obras de Duncan. Lori Belilove, quien es conocida como la mejor intérprete de las obras de Duncan, estudió con dos de las Isadorables: Anna Duncan e Irma Duncan. 

¿Cuál es la diferencia entre la danza moderna y la danza contemporánea?

Por: Corazón Tierra

Dance Expert

 La diferencia entra la danza moderna y la danza contemporánea principalmente es su periodo histórico. La danza moderna se desarrolló durante la primera mitad del siglo XX en el periodo moderno. La danza contemporánea se empieza a desarrollar a mediados de los años 50 y adquiere su nombre en los años 60. Este género de danza pertenece al periodo contemporáneo y continúa en desarrollo en el momento actual.

Además de su periodo histórico, la diferencia entre la danza moderna y la danza contemporánea más obvia está en las técnicas de danza que se usan para crear una coreografía.

• Danza moderna Los creadores de la danza moderna se rebelaron contra las reglas y criterios del ballet. Inventaron nuevas técnicas de danza que enfatizaban el uso expresivo del torso, el trabajo de suelo, las caídas y la recuperación, el uso de la respiración y los movimientos naturales.
• Danza contemporánea Los creadores de la danza contemporáneo se rebelaron contra los criterios que estableció la danza moderna. Empezaron a enfatizar más el proceso sobre la técnica. No dejan de usar las técnicas de la danza moderna ni del ballet. Más bien empiezan a utilizar estas técnicas, y elementos de danzas no occidentales y otras disciplinas, para encontrar la expresión más auténtica y natural en un movimiento.

¿Cómo identificar la danza contemporánea de la danza moderna?

Es dífícil identificar un género del otro, ya que ambos comparten una filosofía similar. La danza contemporánea nace de la danza moderna. Al igual que la danza moderna, la danza contemporánea tiene una filosofía de libre expresión que enfatiza la conexión entre el cuerpo y la mente en la danza.

A pesar de que existen muchos desacuerdos entre qué es realmente danza moderna y qué es danza contemporánea, puedes identificar la diferencia entre la danza moderna y la danza contemporánea si tomas en cuenta los siguientes criterios:

• La danza que utiliza exclusivamente técnicas de danza moderna tales como la Técnica Graham, la Técnica Duncan o la Técnica Horton es danza moderna.
• Las coreografías que fueron creadas por coreógrafos de danza moderna de la primera mitad del siglo XX--tales como Martha Graham, Isadora Duncan, Hanya Holms, Doris Humphrey, Charles Weidman, Lester Horton, Alvin Alley y Pearl Primus—son danza moderna.
• Las coreografías creadas por los creadores de la danza postmoderna tales como Merce Cunningham, Anna Halprin, Alwin Nikolais, Simone Forti, Robert Dunn y los miembros del Judson Dance Theater son danza contemporánea.
• Las obras de los coreógrafos y bailarines que utilizan las técnicas y los principios de los fundadores de la danza postmoderna son danza contemporánea.
• Los coreógrafos y bailarines que utilizan técnicas de la danza moderna junto a otras técnicas y principios son contemporáneos.
• Los coreógrafos y bailarines que utilizan improvisación, Técnica Release, Técnica de Improvisación de Contacto y técnicas de movimiento somático en el proceso de composición son contemporáneos..
• Las danzas que son instalaciones de arte son danza contemporánea.

La danza contemporánea es un género de danza que enfatiza el proceso de la composición sobre la técnica. No se limita a una sola técnica ni forma de baile. Incorpora distintas técnicas y funde elementos de diferentes géneros de baile para expresar la danza como una obra de arte. También utiliza elementos de otras disciplinas.

La danza contemporánea no se rige por reglas ni técnicas. Más bien es una danza que se rige por una filosofía que enfatiza la expresión más auténtica en el movimiento. Los bailarines de danza contemporánea usan todo su cuerpo de una manera natural y orgánica. Pueden incluso usar la voz en las danzas.

La danza contemporánea se confunde a menudo con danza moderna. Sin embargo, son dos géneros diferentes. La danza moderna utiliza técnicas de danza que se desarrollaron durante la primera mitad del siglo XX y la danza contemporánea se empieza a desarrollar a mediados de los años cincuenta.

El término de danza contemporánea a menudo también se utiliza para denominar los bailes comerciales que están surgiendo en el momento actual. Estos bailes podrían compartir algunas características con la danza contemporánea, pero normalmente carecen de la filosofía que distingue a la danza contemporánea.

Orígenes de la danza contemporánea

Los orígenes de la danza contemporánea se remontan a principios del siglo XX. La filosofía de libre expresión en la danza que establecieron las precursosas de la danza moderna, como Isadora Duncan , también está presente en la danza contemporánea que empezó a surgir a mediados del siglo XX.

La mayoría de los historiadores de danza marcan el inicio de la danza contemporánea en los años sesenta. En esa época un grupo de bailarines en Estados Unidos empezó a crear danzas que rompian con algunos criterios de la danza moderna.

Empiezan a cuestionar qué es danza. Deciden que cualquier movimiento de la vida cotidiana puede ser considerado danza y que una persona no necesita tener un entrenamiento técnico para expresar la danza como arte.

La danza de esta época se denomina danza postmoderna. Los bailarines y coreógrafos postmodernos se alejan de la técnica. No enfatizan la expresión de las emociones en la danza, si no la expresión más orgánica de un movimiento. Buscan utilizar el mínimo de esfuerzo para ejecutar un movimiento.

La danza contemporánea hoy en día

Es difícil definir la danza contemporánea actual. La danza contemporánea actual no tiene un estilo definido ni uniforme. Es un género fluido que no se limita a ninguna técnica ni estilo. Se mantiene en constante transformación y renovación.

La danza contemporánea actual es bien diversa. Puede ser abstracta o narrativa. Puede expresar emociones o no. Se puede bailar con música o sin música. Puede utilizar cualquier tipo de música. A menudo la música es simplemente un elemento de fondo o es un elemento ritmicamente independiente del baile.

A diferencia de los bailarines de la danza postmoderna de los años sesenta, los bailarines de la danza contemporánea actual no se rebelan necesariamente contra las técnicas de la danza moderna ni el ballet. Algunos utilizan estas técnicas, otros las transforman y otros las ignoran por completo.

Los coreográfos y bailarines de danza contemporánea reciben entrenamiento en distintas técnicas de baile y en técnicas de movimiento somático. El propósito es que puedan explorar la conexión entre cuerpo y mente de la manera más orgánica posible para expresar autenticidad en la danza.

Técnicas y disciplinas que se usan en la danza contemporánea

• Improvisación
• Improvisación de Contacto
• Técnica Cunningham
• Técnica Limón
• Técnica Hawkins
• Técnica Graham
• Técnica Humphrey-Weidman
• Técnica Horton
• Ballet Contemporáneo
• Fundamentos Bartenieff
• Laban